Non è questo il luogo per commentare il rapporto tra il XX e XXI secolo, ma piuttosto per ricordare alcune delle caratteristiche che rendono unico e importante l’operato dell’artista bulgaro e della moglie francese Jeanne-Claude (scomparsa nel 2009). Dagli anni Sessanta la coppia diventa un unico artista, con una testa sola, competenze diverse una comune sete di libertà e tenacia.

Il primo è ciò che potremmo definire “il canto della transitorietà nel rispetto del ciclo della vita”. Si può affermare in maniera larga che l’arte del Novecento si pulisce dalla necessità dell’eternità per mettere a nudo l’impermanenza che caratterizza la vita. Christo e Jeanne-Claude hanno abbracciato a pieno questa constatazione producendo opere effimere, progettate per durare temporaneamente. Le loro parole sono chiare a riguardo: “un’opera d’arte temporanea dà luogo a un sentimento di fragilità e vulnerabilità, all’urgenza di vedere e insieme alla consapevolezza dell’assenza, perché sappiamo che domani non ci sarà più. Il tipo di amore e tenerezza che gli esseri umani provano verso ciò che non è destinato a durare, ad esempio l’amore e la tenerezza per l’infanzia e per la nostra vita, è ciò che vogliamo infondere nel nostro lavoro come qualità estetica supplementare”.

I due artisti si occupavano personalmente di trovare collaborazioni per montare, smontare e smaltire i materiali usati. Non transigevano sul diktat autoimposto di lasciare ogni cosa come la si trovava, la presenza dell’opera prolungata soltanto nella memoria di chi l’ha vissuta direttamente o attraverso i media.
“Comunicazione efficace e fiducia nelle public relations” è infatti l’altro elemento di valore da chiamare in causa per descrivere il loro lavoro. Molto spesso la coppia ha trascorso mesi, interi anni per presentare alla pubblica amministrazione i progetti più mastodontici – i vari impacchettamenti delle architetture e delle fasce costiere marine o isole di fiumi per esempio – rifiutando cocciutamente sponsor privati e sostenendosi attraverso la vendita di quel che chiamavano “arte portatile”, disegni, schizzi, modellini dei diversi progetti.

Il terzo è l’amalgama senza soluzione di continuità tra arte e architettura. La qualità e pertinenza della loro ricerca sul rapporto tra uomo e natura, sulla percezione dello spazio e il concetto di atmosfera, fa sì che i confini tra libertà di azione, tipica dell’arte, e funzione della progettualità, tipica dell’architettura, svaniscano. La mirabolante bellezza dei loro disegni – precise mappe progettuali e libere espressioni creative al tempo stesso, ne sono una dimostrazione. L’effetto di meraviglia che sollevano in molte persone le opere esperite dal vivo, d’altra parte, non fa che testimoniare la precisione e la “giustezza funzionale” (spesso “praticabile”) del disegno architettonico-ingegneristico del progetto d’origine. La loro capacità di lavorare “in grandeur”, ciò che potrebbe sembrare una mossa facile per catturare l’attenzione del pubblico meno esperto, non va in realtà a scalfire la profondità della ricerca stilistica, per altro a carattere essenzialmente minimalista, della coppia di artisti.

Si potrebbero ancora aggiungere altri elementi di valore alla sua arte, ma ci piace piuttosto a tornare sul fatto che Christo e Jeanne-Claude siano sempre stati una coppia nell’arte e nella vita. Non ci interessano i loro fatti privati, ma la bellezza che il loro operato a quattro mani abbia prodotto per più di cinquant’anni.
Per leggere, vedere e andare all’incontro della loro arte, si può cominciare dal loro sito indicato qui a fianco.

video e fotografie di Emanuela Genesio

A window to the East

This year, the BlissBeatFestival,  thanks to its interdisciplinary and non-dogmatic nature, becomes a privileged field of action for some artists who have been committing for many years to an holistic research combining ethics and aesthetics. In the 20th century, a large group of artists drove their creative energy towards intuitive actions and conceptual signs, leading to an art which allowed the union of mind and body, subject and object, that entails contemplation.

The interest towards the interdisciplinary method pushes artists towards the East. The chance, the asymmetry, the dialectic between fullness and emptiness, the non-differentiation between matter and concept, have become a part of their way of creating. It’s in this moment that the West recognizes again its pre-classical matrix, the Heraclitus Panta Rei identity.
The artists understanding and taking into consideration this coincidence, often move along the idea of listening to the evolution of things. They observe with delicate attention the connection between material and immaterial and transform it into objects, or convert it into an aesthetic experience. This concentration flowing into a wave of energy, often minimal and essential, is part of the artists training, who intend to translate it into a language which is as close as possible to a sensibility.

If they are painters, they preferably use the china ink: its fluidity does not allow corrections; if they are performers, they prefer to act in nature: where the body, whether astral, human or vegetable, acts inside the world they are part of; if they use the technology, they come to expand time in boundless spaces close to contemplation.

This first Visual Arts section of the Bliss Beat Festival, A window to the East, hosts some  artworks relating to this scenario: some of them are installed among trees, others to be leafed through and two performances.
Three are the artists involved in this first meeting of yoga and oriental art: Stefano Giorgi, GosiaTurzeniecka and Emanuela Genesio, who is also the curator of the show. They all skillfully handle the china ink or watercolor, where the watery material is meditatively pulled over the grainy textures of different papers, from the very smooth to the more coarse ones. They know the importance of the empty space, how to combine delicacy and energy with the black mark, thanks to images balancing between abstract and figurative spheres. These three artists, each one in a different way, deal with the performance and the installation, to capture the multifaceted reality and the dynamic events; to propose a dialogue with music, dance or other artistic practices through improvisation; and to create places where the natural space becomes a part of an aesthetic composition. For the Bliss Beat Festival 2012, Gosia Turzeniecka offers a painting performance on a guided yoga practice by Marco Mandrino; Stefano Giorgi exhibits a large scroll painting in a traditional Chinese style; and Emanuela Genesio proposes an installation and performance where I-Ching signs interact with the natural space and energy around Cascina Bellaria and the people.