Nel tentativo di distillare l’essenza di “Orizzonte Atmosfera“, la nuova mostra che si apre il 24 maggio a Celle Ligure in Traumfabrik e che vede le artiste Emanuela Genesio e Francesca Marengo intrecciare i loro sguardi e i loro gesti, ci siamo soffermati su un pensiero che ci ha avvolto come nebbia mattutina e che ci è parso un valido incipit al progetto.

L’orizzonte, quella linea sottile e sfuggente, dove il solido della terra si dissolve nel gassoso del cielo, accoglie il nostro corpo. Un abbraccio che non si vede, ma si sente, come l’atmosfera che avvolge la mente. La terra sotto i piedi, solida e inamovibile, ci ancora al presente, a questo istante fragile che è già passato. L’aria che respiriamo, gassosa e impalpabile, ci connette all’infinito, a ciò che non ha confini.

Il corpo, questo tempio di sensazioni, esplora il confine tra ciò che è tangibile e ciò che sfugge, tra il peso della materia e la leggerezza dell’anima. La mente, un universo in continua espansione, si perde nell’immensità dell’orizzonte, in quel punto dove solido e gassoso si fondono, dove la pace sembra possibile.

Questa mostra, sintesi di una collaborazione nata nel 2019 e da una ricerca a quattro mani, da discipline diverse che si incontrano e si fondono, prevede anche una residenza d’artista nella cittadina ligure. Un’esperienza che segna un’ulteriore soglia, un nuovo confine da esplorare e nuovi esiti da condividere nelle prossime occasioni.

Il tema dell’atmosfera, esplicitamente presente nel testo che ha accompagnato le narrazioni precedenti e sviluppato poeticamente nelle opere di entrambe, è il fil rouge estetico-semantico che consente raffronti e analogie tra le due autrici. È anche il nucleo da cui sono nati gli eventi, i talk, le performance e i libri d’artista che sono oggi testimonianza cronologica di questo progetto aperto.

Nella mostra, le opere pittoriche dell’una e le fotografie dell’altra si affiancano, come due silenzi che si ascoltano a vicenda. Non per dare forma solo a uno spazio poetico, ma per rivelare l’illusione di tale spazio. Perché ciò che percepiamo tra soggetto e oggetto non è un campo di spazio-tempo, ma un abisso di incertezza. Un’eco di domande senza risposta. L’artista dipinge il mondo come lo vede, la fotografa lo cattura come appare. Ma entrambi, nel loro tentativo di fissare l’effimero, si scontrano con la natura sfuggente della realtà. Il soggetto, con il suo sguardo carico di soggettività, deforma l’oggetto, lo trasforma in un’ombra di sé stesso. E l’oggetto, nella sua muta presenza, sfida il soggetto, lo costringe a confrontarsi con la propria limitatezza.

Forte della professionalità di critico-storico dell’arte e di praticante-formatrice di Yoga e Qigong, Emanuela offre per la prima volta un workshop che unisce una visita guidata a una mostra e una pratica di Qiyoga.
L’occasione espositiva è Impronte di luce di Giuseppe Penone alla Fondazione Ferrero di Alba e la pratica, una lezione mista di Yoga vinyasa e Qigong. Si tratta di un workshop in cui la sete di conoscere e quella di vivere nel corpo quella stessa conoscenza si equilibrano, dentro le fluide contraddizioni e sovrapposizioni del binomio cultura-natura.

Come di consueto nelle sue proposte, la sezione pratica si arricchisce di quella teorica e viceversa, in un connubio di gesti, parole e momenti di contemplazione che si intervallano senza soluzione di continuità nell’una e nell’altra sezione.
Più specificamente, la pratica di Qiyoga ricalca alcuni dei temi che per Giuseppe Penone, caposaldo dell’Arte Povera fine anni Sessanta, funzionano da movente creativo: l’impronta come traccia del vivere (arte e vita insieme), gli alberi come correlativo vegetale dell’uomo e il soffio come espediente per sentire la relazione.
La pratica si struttura dunque su tre tempi: impronte/alberi/soffio, scansioni che in parte cadenzano anche l’allestimento della mostra.
La visita potrà diventare un momento per contemplare quei concetti trasformati in opera e, più che capirli didatticamente, viverli percettivamente.

Appare un altro – Atmosfera è il titolo della mostra-concept di Emanuela Genesio, artista, docente universitaria di arte contemporanea e discipline orientali, e Francesca Marengo, fotografa. Da una parte, la mostra è l’occasione per rendere omaggio visivamente ai loro libri recentemente pubblicati: Il respiro di mente e corpo. Arte, discipline orientali, creatività e Orizonte. Dall’altra, è l’esito di un dialogo professionale e umano tra le due artiste sfociato nella creazione di un libro d’artista stampato da Pulcinoelefante, impreziosito dalle parole di Livia Chandra Candiani. Progettato come catalogo della mostra, Appare un altro – Atmosfera è anche un’opera a sé: 34 pezzi unici composti da un’opera pittorica e una fotografia che diventano parte integrante del percorso espositivo.

La mostra è l’indagine di ciò che accomuna le ricerche delle due artiste e permette di accostare le loro creazioni più recenti. Il tema dell’atmosfera, presente nel testo Il respiro di mente e corpo e sviluppato poeticamente nelle opere di entrambe, è il fil rouge estetico-semantico che consente raffronti e analogie. Così come si evince da certa Fenomenologia contemporanea, l’atmosfera è letta come ciò che manifesta la presenza di soggetto e oggetto, la sostanza cangiante e fluida che incarna una “situazione affettiva”. Nella mostra, le opere pittoriche dell’una e le fotografie dell’altra si affiancano per dare forma a quello spazio poetico che esiste percettivamente tra soggetto e oggetto, il campo di spazio-tempo che produce relazione.

Il percorso espositivo si divide in due momenti progettuali principali: al piano terra Orizonte attraverso il quale le due artiste si sono ritrovate (Emanuela fu insegnante universitaria di Francesca) e Atmosfera al piano superiore, progetto che suggella l’incontro artistico e umano tuttora in corso.

A piano terra, il dialogo tra le due artiste si dipana attorno al progetto Orizonte di Francesca Marengo. Coppie di fotografie e inchiostri acquerellati s’intervallano a una grafica stampata e a delle lastre fotografiche antiche di proprietà del Museo Craveri di Scienze Naturali di Bra. Orizonte nasce infatti come progetto editoriale di Francesca Marengo attorno ai diari di viaggio dei fratelli Craveri. Il lavoro di ricerca da lei sviluppato (lo studio dei diari, quotidiane annotazioni tenute durante le esplorazioni delle Americhe centro-settentrionali nella metà del 1800 circa e il ritrovamento di una scatola di fotografie di autore/i sconosciuto/i) sfocia nella pubblicazione nel 2019 di un libro di testi e fotografie. Per presentarlo al pubblico, Emanuela Genesio in veste di curatrice orchestra un’esposizione nelle sale e nel cortile del museo Craveri (si veda qui Orizonte, cura evento). Da quel momento, Emanuela e Francesca cominciano un percorso di ricerca insieme che produce i primi frutti nel 2020 quando, in collaborazione con il milanese Chippendale Studio di Luca Panaro, trasformano Orizonte in un libro d’artista.

Al piano superiore, si sviluppa invece il tema dell’atmosfera nato come spunto di riflessione da uno dei capitoli del testo del 2021 pubblicato da Emanuela Genesio. Di fatto, Il respiro di mente e corpo. Arte, discipline orientali, creatività prende corpo da un workshop tenuto per la Scuola Holden di Torino a cui partecipa Francesca Marengo. Il libro, caratterizzato da confronti interdisciplinari tra antico e contemporaneo, invita il lettore a incontrare otto opere d’arte che raccontano il rapporto tra spazio e percezione, ambiente e misura, campo vuoto e relazione. Nelle tesi esposte, i sensi diventano una soglia per accedere a uno stato di meraviglia che accomuna le pratiche contemplative all’azione e fruizione artistica. Il saggio si arricchisce di un apparato visivo interamente realizzato dall’autrice – dipinti, disegni e chine – che, rielaborato in mostra, si configura come una risposta alle fotografie di Francesca Marengo.

Accanto a questo dialogo serrato, le due artiste lasciano “a vista” alcuni loro lavori personali (slegati da un rapporto diretto l’una con l’altra), così da poter invitare il pubblico a sondare altre possibili confluenze contenutistico-formali delle loro ricerche visive.

Al centro della sala, infine, sono esposte le versioni del libro d’artista che corona questa tappa della loro collaborazione: Appare un altro – Atmosfera pubblicato dall’artista-editore Alberto Casiraghi. Come per incanto, nel testo estrapolato da Questo immenso non sapere (Einaudi) di Livia Chandra Candiani, ricompare la parola “orizzonte”. Una linea che “si sposta sempre”, un faro nomade che illumina il sentire spazializzato e la relazione tra le due artiste raccontati nella mostra.

Scelgo Sironi perché la ricerca pittorica è commovente.
Il prodotto-mostra di per sé non è eccezionale: è un progetto didattico con un allestimento discutibile.
Ma alcuni dei pezzi esposti sono mozzafiato.
Si vede la pittura da vicino, il materiale pittorico vivo, la ricerca sul colore in relazione ai temi, la magnificenza del primitivo.
A me ha riaperto gli occhi sulla dignità del fare arte.

Se poi, come me, apprezzate un certo paesaggio industriale, i porti nei loro spazi lavorativi, non turistici, gli spazi architettonici svuotati della presenza dell’uomo, allora Sironi è la scelta giusta tra le mostre presenti in questo inizio di anno a Milano.

Le immagini pubblicate sono esclusivamente dettagli. Angoli di quadri talvolta monumentali.
Quasi tutti appartengono agli anni venti e inizio trenta, quando “dramma e grandiosità, pessimismo e volontà costruttiva”, a lui attribuitegli dalle curatrici, potrebbero rivelarsi categorie psicologiche adatte per i tempi attuali.

Poesia è il termine che il curatore Bruno Corà ha voluto palesare sin dal titolo. Sta lì a indicare il potere originario del gesto creativo. “Se tento di parlare di pittura, mi accorgo ancor una volta che essa ha una presenza irriducibile che rifiuta di essere tradotta in qualsiasi altra forma di espressione!”, si è d’altronde lasciato scappare Burri alle insistenze di chi gli estorceva parole. O ancora: “le parole non significano niente per me; esse parlano intorno alla pittura. Ciò che io voglio esprimere appare nella pittura”. “Irriducibile” è opposto a “intorno”: non si sta a far melina per dirlo in gergo calcistico, si è nella questione. Ed è questo il difficile dell’arte di Burri. Stando di fronte ai suoi quadri ci si può sentire respinti: per incompetenza essenzialmente, ma anche per impermeabilità dell’opera, quell’intraducibilità di un linguaggio in un altro che l’artista ha abitato per tutta la vita.

José Jimenez, nel catalogo Skira pubblicato in occasione della mostra, scrive: “l’arte non ha nulla a che vedere con l’ornamento. È un interrogativo essenziale sulla genesi dei sensi”. A quanti di noi interessa questo interrogativo? Credo che questo sia uno dei nodi centrali dell’arte di Burri e della nostra difficoltà di spettatori di fronte alle sue opere. Se non c’è questo interesse, non ci sono molte altre porte d’ingresso all’opera dell’artista umbro.
Ma se invece si è propensi a toccare le corde profonde che quella domanda solleva, allora la mostra di Alba diventa un vero e proprio viaggio poetico-sensoriale.

Come sostiene Bruno Corà, ma prima di lui anche Argan per esempio, nelle opere di Burri “la materia stessa, [è] “presentata” fisicamente abolendo ogni finzione mimetica”. Burri è uno degli artisti più capaci a trasformare la materia in pittura. Da materiali “duttili” come i sacchi o le t-shirt, ai legni e alle lastre di ferro, fino ai cretti di gessi, caolino e vinavil, ogni elemento si fa composizione pittorica. Anche le plastiche, bruciate e bucate, agglomerate in crateri pieni o annerite fino a diventare spazio vuoto, sono materia pittorica. Burri è l’homo faber che genera nuovi equilibri nell’esistente alla ricerca dell’attimo perfetto per arrestare l’incursione della mano rispetto all’esistente creato.
I neri e i bianchi (e in parte il rosso e il colore della iuta e del cellotex) sono leit motif tonali che insieme a una forma indicibile rotondeggiante (probabilmente retaggio del mantello della Madonna della Misericordia di Piero della Francesca), funzionano come puntelli per una ricerca coerente e non ripetitiva, per un’indagine sulla traducibilità di un’idea in una materia-immagine.
L’architetto della Fondazione Ferrero, Danilo Manassero, che ha progettato l’allestimento insieme a Tiziano Sarteanesi della Fondazione Burri di Città di Castello, sostiene che realizzare un percorso nell’opera di Burri significa “fare un esercizio di ineloquenza”. Se ci riuscissimo anche noi spettatori, la mostra diventerebbe un momento per assaporare un silenzio dall’ampio respiro, gravido dei misteri originari e del desiderio sensuale che ogni creazione porta con sé.

Cura, insieme a Silvana Peira, di due mostre dal titolo Il corpo disegnato. Artiste a confronto con il gesto tracciato e vissuto, divenuto opera, svolte alla Galleria Il Fondaco dal 14 aprile al 29 giugno 2019. Testo e cura del catalogo (rinvio alla sezione Pubblicazioni per leggerlo in intero).

Artiste selezionate: AZAB (Alessia Zuccarello, Alessandra Barilla), Barbarba Bonfilio, Maura Banfo, Moira Franco, Gosia Turzeniecka.

Opere selezionate: disegni, pitture, fotografie, video, performance

comunicato stampa “dopo la mostra”

La mostra, lo spettatore, lo spazio

Entrare in un luogo deputato a raccogliere arte è parte di un’esperienza che chiama in causa sensi e intelletto. Paolo Rosa, rileggendo Remo Bodei, invitava a rivolgersi all’arte come a un utile mezzo per “disincagliare i sensi” e percepire l’inscindibile unicum di mente e corpo che ci rappresenta.
In una mostra, la relazione tra facoltà sensoriale e facoltà mentale è accolta e manifestata dalla dimensione dello spazio, l’atmosfera prodotta da spettatore, opere e allestimento. Questa speciale condizione di unione tra soggetto e oggetto è stato il fulcro del corso annuale di Fenomenologia dell’Arte Contemporanea seguito dagli autori esposti in Dopo la mostra. L’esercizio rivolto da Emanuela Genesio agli studenti di Fotografia dell’Istituto Europeo di Design di Torino nasce da questo spunto, con la finalità di sollecitare la ricerca dei dispositivi e temi utili a evocare ciò che può definire la dimensione ampia di “mostra” nelle dinamiche tra oggetto esposto, movimenti dello spettatore e apparati di allestimento. La complessa equazione che ne risulta è divenuta il trampolino di lancio per la realizzazione di un progetto che, dagli assunti filosofici della Fenomenologia, si apre all’arte contemporanea e alla sua capacità di manifestare sensorialmente il rapporto tra corpi materici (dell’opera, dello spettatore, dell’allestimento) e spazi informazionali (percettivi, intellettivi, estetici).
La scelta della tecnica da adottare, così come quella relativa alla postproduzione, l’opzione tra il bianco e nero o il colore, l’immagine analogica o digitale, lo scatto fotografico o la sequenza video, non è stata imposta.

Le opere

Questa libertà ha dato vita a opere molto diverse tra loro, consentendo esisti anche lontani dal mezzo fotografico.
È il caso della performance in cui il corpo è il veicolo principale di comunicazione. Daniele Escoffier la abbina alla fotografia chiedendo al pubblico di interagire come se si trattasse di un gioco. Altri fotografi hanno prediletto il video e l’audio: Silvia Raffaelli ha rielaborato una serie di frequenze registrate in mostra per produrre un sottofondo onirico che evoca l’amalgama di suoni della fase R.E.M. del nostri sogni. Anche il video di Matteo Montenero richiama la dimensione onirica, attraverso una sequenza temporale visivo-sonora nata da un solo scatto registrato in mostra. Tramite un ripresa girata con il proprio smartphone, Chiara Brunero invita a riflettere sul tema della fruizione attraverso i mezzi contemporanei; mentre Leonardo Tilatti si concede un libero reportage intervistando il progettista della mostra, Danilo Manassero.

Se la virtualità di Instagram diventa per Giulia Murgia un mezzo per elaborare indefinitamente gli scatti e riflettere sul senso del “visitare una mostra”, all’opposto, Luca Farinet predilige la manipolazione della materia concreta, lavorando sul corpo chimico della stampa fotografica per giungere a un’immagine “informale” ben distante dalla fotografia scattata in partenza.

Tuttavia, è spesso l’oggetto a farsi esito di queste ricerche. Si tratta a volte di un oggetto giocoso, da maneggiare, come dell’oggetto-mirino con cui Elisa Nobile invita a ricreare interattivamente i ricordi della mostra e della sorta di “Domino” che Alessandro De Bellis costruisce a partire dalle opere e parole sulla mostra più cliccate del web. Compare poi anche un vero e proprio libro d’artista da sfogliare, che Alberto Berardino progetta per portarci “dal sogno al nulla” e una stola da arredamento che Paolo Maletta ha disegnato facendo l’occhiolino ad alcuni oggetti daliniani.

Alcune opere si situano a metà strada tra l’oggetto e la fotografia bidimensionale: un “Leporello” progettato da Marta Testi per rivisitare le sale della mostra, o la rilettura di alcune opere in forma di cartolina vecchio stile da parte di Giulia Ramazzina; infine, una rivisitazione della scacchiera di Man Ray del 1934 attraverso i ritratti dei colleghi in mostra creata da Marta Scavone.

Altri fotografi hanno optato per una postproduzione piuttosto rilevante: Luigi Greco trasforma alcuni scatti delle sale della mostra in schizzi d’architetto; Alessia Izzo e Carlotta Gariazzo si concentrano sullo studio del corpo degli spettatori in mostra, realizzando immagini dallo stile pop. Nicolò Nastasia sfrutta i mezzi digitali per produrre delle immagini ineffabili, un bianco su bianco che evoca la consistenza nebulosa dei sogni.

Resta però anche la fotografia più classicamente intesa, come quella di Andrea Camiolo che, grazie a un tempo lungo di scatto, trasforma l’immagine di alcune sale della mostra in astrazioni. Elisa Pera gioca con il pubblico sollecitandolo a indovinare a quali opere appartengano i dettagli fotografati e Giovanna Serra, facendo eco alla tecnica surrealista del cadavre esquis, propone visioni di opere nuove ricomposte a partire da sezioni di dipinti originali. Infine Daniel Vargas isola con rigore minimalista quei particolari poco osservati all’interno dello spazio espositivo come le telecamere di sicurezza e Sibilla Galli raccoglie e ricompone poeticamente insieme di particolari in cui una linea retta evoca l’orizzonte.